En Londres, miseria humana masiva y revelaciones comunitarias

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"Light of Passage" de Crystal Pite en el Royal Ballet aborda grandes temas: los refugiados, la vida y la muerte. En Ballet Black, Gregory Maqoma brilla.

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Por Roslyn Sulcas

LONDRES — Una visión en claroscuro de negros y grises; un barrido pictórico de la humanidad; un encuadre cinematográfico de cuerpos palpitantes y crecientes. En "Flight Pattern" de Crystal Pite, esos cuerpos son en su mayor parte indistinguibles, una masa humana hirviente de miseria y esperanza, refugiados cuyos deseos desesperados, miedos y pérdidas son subsumidos por el intento de sobrevivir.

"Flight Pattern", ambientada en la primera parte de la triste Sinfonía n.º 3 de Henryk Gorecki, "Symphony of Sorrowful Songs", fue el primer encargo del Royal Ballet a una coreógrafa en el escenario principal en 18 años cuando se creó en 2017, y fue recibido con una aclamación casi universal. Ahora constituye la primera sección de "Light of Passage" de Pite, un ballet de larga duración que se estrenó el martes por la noche, y utiliza las dos secciones restantes de la partitura de Gorecki para formar una narración igualmente simplista y agradable para el público sobre el paso por la vida hacia la muerte.

La habilidad y el arte coreográfico de Pite son innegables. En "Flight Pattern", el conjunto de 36 bailarines se mueve como una ameba, ondulando y turbulento, las líneas se enredan y se transforman en ondas de movimiento. La música es tranquila al principio, y siempre lenta, con un breve solo de soprano (Francesca Chiejina) basado en un lamento polaco del siglo XV, en el que la Virgen María le habla a su hijo moribundo.

La música, que Pite utiliza como un paisaje sonoro más que como un impulso de movimiento, funciona a la perfección con la escenografía pictórica (de Jay Gower Taylor), dominada por enormes paredes oscuras que se abren y cierran detrás de los bailarines, a veces dejando pasar una estrecha columna de luz para brillar, a veces creando una oscuridad impenetrable. A través de las brechas se encuentra el ansiado cruce fronterizo, la prisión-corral de detención, la tierra imaginaria de la esperanza y la oportunidad.

Ocasionalmente, Pite permite que las personas emerjan de la multitud, sobre todo Kristen McNally en un solo que sugiere la pérdida de un hijo, simbolizado, con una fuerte dosis de cliché y sentimiento, por un abrigo tiernamente acunado. Al final de "Flight Pattern", ella y Marcellino Sambé ofrecen un pas de deux bellamente bailado y desconsolado —más ballet que el resto de la pieza— mientras la nieve cae a su alrededor.

Pite es indudablemente sincera en su empatía por la difícil situación de los refugiados, pero la demanda implícita de una compasión similar por parte del público y la suave estetización del sufrimiento son algunas de las razones por las que me siento resistente a "Flight Pattern", a pesar de su coreografía y visual. logros Es atractivo sentirse una mejor persona solo porque lo has visto, pero en realidad no lo eres.

Las dos nuevas secciones son igualmente hábiles pero aún más sentimentales. "Covenant" comienza con un niño pequeño, vestido de blanco, corriendo en el lugar, la luz dorada se refracta a través de las nubes rotas rojas y negras detrás de él. (Bravo al diseñador de iluminación Tom Visser.) El niño es el primero de seis niños que son levantados, sostenidos y enmarcados por una masa de adultos vestidos de negro mientras Chiejina canta en voz baja entre acordes que cambian lentamente. (Las notas del programa nos dicen que esta sección tiene su fuente en la Convención de los Derechos del Niño de la ONU; es el tipo de detalle que no desea saber sobre un ballet).

Al final, los niños se paran solos al frente del escenario, los adultos retroceden en una línea interconectada en la parte de atrás. ¿Representan esperanza o sacrificio? Tal vez la ambigüedad sea intencional.

La parte 3, "Passage", nos brinda, de manera bastante esquemática, el extremo opuesto del espectro, comenzando con una pareja mayor (Isidora Barbara Joseph y Christopher Havell, de Company of Elders, una compañía no profesional con sede en Sadler's Wells) que parecen representan el paso final de la vida hacia la muerte. Moviéndose en medio de un bosque de columnas blancas, gesticulan y se enrollan unos alrededor de otros, antes de ceder el escenario a los barridos de movimiento masivos y contrapuntos que Pite hace con tanta eficacia.

En varios puntos emergen dúos para realizar pas de deux de ballet, llenos de remolinos de patinadores sobre hielo y elevaciones arqueadas por encima de la cabeza, las piernas se abren como tijeras y se abren en el aire. Las bailarinas son hermosas pero genéricas, tal vez todas versiones más jóvenes de la pareja mayor. En su mayoría, el conjunto es la estrella, balanceándose, descendiendo, subiendo y bajando en una cadencia perfectamente sincronizada, rodeada por la iluminación dorada de Visser.

Al final, los bailarines enmarcan al hombre mayor a cada lado mientras camina lentamente hacia el fondo, dejando a su pareja, sentada sola y afligida, al frente: un final predecible y bastante sentimental.

Al igual que "Canción de la Tierra" de Kenneth MacMillan (1965), "Light of Passage" nos ofrece un retrato del viaje humano con la muerte como una presencia constante que lo acompaña. Pero es mucho menos cohesivo y poético que el trabajo de MacMillan, y menos interesante como movimiento. En "Flight Pattern", como ocurre con muchas de las obras que Pite crea para las grandes compañías de ballet, los bailarines se despliegan como un medio para lograr un efecto general, no como exponentes de posibilidades físicas o técnicas.

Lo contrario sucedió en un programa la noche siguiente en el Linbury, el teatro de caja negra más pequeño de la Royal Opera House, donde Ballet Black interpretó obras recientes de Cassa Pancho y el coreógrafo sudafricano Gregory Maqoma.

Pancho, de raza mixta, fundó Ballet Black en 2001, poco después de escribir una disertación sobre la escasez de mujeres negras en el ballet británico. Desde entonces, la compañía ha encargado más de 50 ballets a 37 coreógrafos y se ha ganado un público admirador.

Pero no sin obstáculos, como deja claro el trabajo de Pancho, "Say It Loud". Es un relato biográfico de la historia de la compañía en siete secciones, con una banda sonora que incluye a Steve Reich, el rapero de grime Flowdan, el cantante de calipso Lord Kitchener y voces en off ("¿Cuál es el punto de Ballet Black?" "¿Podemos hablar con un bailarina que ha experimentado el racismo?"). La coreografía es completamente olvidable, pero mostró de manera agradable a los bailarines como personalidades distintas, cambiando entre un clasicismo ferviente, un irónico balanceo con abanicos de plumas y un físico más contemporáneo y conectado a tierra.

"Black Sun" de Maqoma es mucho más ambicioso, fusionando lo clásico y lo contemporáneo, el pasado y el presente para sugerir la intensa lucha y las recompensas de estar conectado a una memoria corporal ancestral, tanto personal como colectiva. Con una partitura compleja y vibrante de Michael Asante, conocido como Mikey J, "Black Sun" comienza en modo ballet, con mujeres ronroneando en el escenario en puntas y un pas de deux con William Forsythe-esque push-pull dinámica. Pero esta es la parte menos interesante de la pieza, que pronto da paso a un movimiento más enraizado y sin zapatillas de punta, los bailarines sucumben lentamente a un baile más impulsado internamente, sus cuerpos tiemblan y convulsionan, hombros y cuellos en ángulo, rostros contraídos. en muecas.

Hacia el final, el inmensamente talentoso Mthuthuzeli November, que también es sudafricano, toca la batería y canta con gran poder, saltando y deslizándose en un solo lugar, mientras los bailarines responden, física y vocalmente, a su invocación.

Es un poco "Rito de la primavera", pero no hay sacrificio, solo una sensación de inmersión comunitaria en algo poderoso y un enorme compromiso de los bailarines que se han atrevido a revelarse en el escenario.

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